Albert Maysels

 

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“I place my fate and faith in reality. And the closer I adhere to reality the more honest and authentic my tales. It’s my way of making the world a better place.”

 

En la gran tradición del documental estadounidense el nombre de Albert Maysels esta ligado al desarrollo del cine directo en los años cincuenta y sesenta del pasado siglo. Junto a su hermano David Maysels, Albert construyó una carrera cinematográfica fundamentada en una gran capacidad de observación y una profunda empatía con la gente. Su carrera también tomo ventaja del desarrollo de nuevos equipos de rodaje mas portátiles que permitían al duo encontrar la intimidad y cercanía que deseaban tener con los personajes de sus películas.

De su extensa filmografía destacan notablemente tres títulos fruto del trabajo con su hermano David. “Salesman (1968)” y “Gimme Shelter (1970)” co-dirigidas también por la montadora Charlotte Zwerin y “Grey Gardens (1975)“.

En la primera Albert y David siguieron las andanzas laborales de un grupo de vendedores de biblias en Boston. “Salesman (1968)” era reconocida por el propio Albert como la que más podria hacer entender su idea de documental. Es la primera vez que los Maysels establecen las bases de su estilo directo en formato de largometraje, al estilo mostrado por ellos previamente en “Showman (1963)“, sonido diegético, no narración o voz en off y nula intervención en los eventos que la película muestra.

 

 “I mean, a true documentary depends entirely on other forces. It’s that humanizing touch that we’re missing out on. Along with the vérité, if that’s what you want to call it, it’s what I’ve tried so hard to work into my films.”

“Gimme Shelter (1970)” documenta la primera gira de los Rolling Stones en los Estados Unidos. Durante su filmación se produjo un lamentable incidente en un concierto en el que una persona falleció en una pelea con miembros de los míticos “Hell Angels”, encargados de la seguridad del evento. Los Maysels recogen este suceso pues dio la casualidad que una de las cámaras estaba en el sitio donde todo sucedió. Pero la fama de la película va mucho mas lejos y es considerada por muchos como uno de los mejores documentales musicales.

“Grey Gardens (1975)” es probablemente la joya de su filmografia. Un extraño y entrañable encuentro con una madre y una hija del mismo nombre Edith Bale, familiares de Jackie Kennedy, tia y prima respectivamente. Ambas residían en uno de los mas exclusivos barrios de East Hampton, Nueva York, conocido como Georgia Pond en una decrépita mansión de nombre Grey Gardens. La casa estaba rodeada de maleza desbocada, infestada de pulgas, con cortes de agua y habitada, además de por ambas Ediths, por gatos y por mapaches. Madre e hija afrontan sendas amenazas de desalojo por parte de las autoridades si no se hacen cargo responsablemente del mantenimiento de la casa.

La película esta considerada como uno de los mejores documentales de la historia. Fue incluida en el registro nacional del congreso estadounidense en el año 2010 y se realizaron adaptaciones para un musical y una película con Jessica Lange y Drew Barrymore en los papeles principales.

Su carrera va mucho más allá de estos tres títulos. Desde su primera película “Psychiatry in Russia (1955)” hasta “In transit (2015)” encontramos en su filmografía titulos como “Vladimir Horowith: The last romantic (1985)“, “Soldiers of music (1991)“, “Abortion: desperate choices (1991)” o “Christo in Paris (1990)“. Albert Maysels dedico sesenta años de su vida a lo que mas amaba y eso afirmaba el propio Albert, era percibido por los protagonistas de sus películas.

“One of the things that makes it easy is that I have a true love for people, and so I have no difficulty getting and keeping access.”

 

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Albert Maysles 1926 – 2015. Fotografia de Grant Delin.

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WHIPLASH O LA IMPORTANCIA DEL RITMO EN EL MONTAJE

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La película del joven director Damien Chazelle fué nominada y premiada en la mayoría de los principales festivales del pasado año y culminó su exitosa trayectoria con las cinco nominaciones en los Oscar a mejor guión adaptado, mejor película, mejor actor secundario, mejor sonido y mejor montaje; siendo premiada por las tres últimas categorías.

Además de por las estupendas interpretaciones de su pareja protagonista Whiplash destaca sin duda por su sonido y su montaje. Ambos elementos junto con el trabajo de cámara son el objeto de un interesante video ensayo realizado por el madrileño Robigo TV titulado “The rhythm of editing“.

El video analiza varias de las escenas de la cinta desde las perspectiva de los tres elementos anteriormente mencionados. El ensayo destaca en la tarea del montaje la importancia de ser fiel a lo que sucede en cada escena, lo que denomina “la emoción del momento” citando a Walter Murch en “In the blink of an eye“. Murch establece una cadena de reglas en orden de importancia bajo el nombre de “The rule of six” colocando como primera y más importante esta regla denominada “the emotion of the moment”. Otros de los conceptos que sirven como marco para su análisis son los conceptos “Lean forward attention” o “The rule of three” que es explicada de la siguiente forma:

“When going from one shot, to another (2nd shot) and back to the first shot (third shot), then the second shot will have an impact on the first shot which will make the audience see the third shot (altered first shot) different.”

Aquí teneís el ensayo.

Y como regalo el cortometraje original del que luego surgió la película.

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PHILLIP SEYMOUR HOFFMAN. A TRIBUTE.

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“Acting is so difficult for me that, unless the work is of a certain stature in my mind, unless I reach the expectations I have of myself, I’m unhappy. Then it’s a miserable existence. I’m putting a piece of myself out there. If it doesn’t do anything, I feel so ashamed. I’m afraid I’ll be the kind of actor who thought he would make a difference and didn’t. Right now, though, I feel like I made a little bit of difference.” 

Video editado por Caleb Slain.

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SOBRE STANLEY KUBRICK

“Stanley was the first director I worked with that found a way around perhaps the greatest obstacle a filmmaker faces; time. How does an artist create an environment for creativity — in an art form that demands a filmmaker to work like a factory worker on an assembly line? For Stanley, it meant living in and working in a place where he could stop, or at least slow down, the clock. I can’t speak for the size of productions he had on his other films, but on FMJ we had a crew smaller than many small budget independents I have worked on. He also owned much of the camera equipment we used on the film. We worked in locations that were very affordable, thus alleviating high production costs and allowing him more time to film in them. Because he was Stanley Kubrick, crew members and actors would work for reduced salaries for the chance to work with a master filmmaker. Each of these things have the effect of giving a filmmaker more time. Time allows the filmmaker to discover his film and the story he is telling. It allows them not to compromise. Arliss Howard, who played Cowboy told me a story a few years ago. On the final day of filming Stanley said to Arliss, ‘you’re going to miss me.’ ‘Yeah. Of course I’ll miss you’ said Arliss. ‘No. You’re going to miss me on every film you make after this one’ said Stanley. ‘You’re going to be working on a film and the director is going to say, ‘Cut! We got it. Lets move on’ and you’re going to miss me. You’re going to miss me because you’re going to know that he didn’t get it as good as it could be. And you’re going to miss me.’ Arliss said he hadn’t worked on a film since then where he didn’t miss Stanley for the reason he stated. Stanley created an environment where he could create a film, not shoot a schedule. Which is a massive achievement.Matthew Modine on Kubrick and His ‘Full Metal Jacket’ App

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BIRDMAN or THE UNEXPECTED VIRTUE OF IGNORANCE

Con este trailer se presentaba la última película de Alejandro Gonzalez Iñárritu. “Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) supone la vuelta a la primera linea del panorama cinematográfico de Michael Keaton encarnando precisamente a un actor que enfrenta los miedos propios de un interprete que trata de levantar una carrera profesional en claro declive.

Es la primera película en la que el director mejicano trabaja en clave de comedia. Para sumergir al espectador en el estado de tensión en el que se encuentra el personaje la cámara se sitúa muy próxima a los personajes y a la acción, con una gran movilidad entre los actores y a través de los espacios en los que la historia se desarrolla. Y decide hacerlo ademas de forma que todo la película parezca rodada en una sola toma, sin cortes.

En este video de la serie “Anatomy of a Scene” de The New York Times podemos hacernos una idea de todo esto con una escena comentada por el propio director.

Iñárritu no ha contado con su habitual director de fotografía y compatriota Rodrigo Prieto. Esta vez ha trabajado con Emmanuel Lubezki, conocido también como “el Chivo” otro director de fotografía mejicano que el año pasado fue premiado con el oscar a la mejor fotografía por su trabajo en “Gravity”. El proyecto supuso un interesante y difícil reto para Lubezki, en sus propias palabras “el ritmo en comedia viene no solo de buenos comediantes sino que también se consigue con un buen montaje, y no tener ningún corte era una de las ideas más locas que había oído nunca” 

La cámara elegida fue la Arri Alexa, en dos versiones distintas, la Alexa M, mas pequeña y ligera, operada “en mano” por Lubezki y la Alexa XT montada en el steadicam de Chris Haarhoff. Ambas cámaras fueron configuradas de una manera sencilla, sin matteboxes ni filtros, para poder estar lo más cerca posible de los actores. Las ópticas elegidas fueron un 18 mm de Leica Summilux y un 14 mm Arri/Zeiss Master Prime.

Si ya era difícil la planificación y la ejecución de las largas tomas de las que se compone la película, iluminar los escenarios en los que se sucede la película para otorgar toda la libertad de movimientos posibles era también un reto complicado. A excepción de tres HMI´s para simular la luz del día entrando por las ventanas, Lubezki y su gaffer Robert Sciretta decidieron usar en su mayoría lo que se conoce como “practical lighting”, a saber, iluminar con fuentes de luz que muchas veces vemos en plano, ya sean estos lamparas de mesa, tubos de fluorescencia, bombillas, etc; y apoyaron esta iluminación con el uso de LEDs. Todos estos elementos estaban conectados a varias mesas de dimerización para regular la intensidad de luz según convenía.

En esta recopilación de imágenes tomadas durante el rodaje de la película podemos ver trabajando a Iñárrutu, los actores, Lubezki y el resto del equipo.

El estreno de “Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)” en España está previsto para el 9 de enero del 2015.

Birdman official website.

TRAILER EXTRA

Emmanuel Lubezki es el director de fotografía habitual de Alfonso Cuarón y Terrence Malick.  En entradas anteriores de este blog dimos cuenta de alguno de sus trabajos con Malick. A principios de esta semana se publicó el trailer de la última película del director estadounidense “Knight of Cups” fotografiada de nuevo por el mejicano, y tiene muy buena pinta.

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Y…¿QUE HACE UN DIRECTOR DE FOTOGRAFIA?

Es más frecuente tener una idea mas o menos clara de la dirección, la interpretación o el maquillaje, conocer la labor de los guionistas, la tarea del compositor de una banda sonora o incluso de los encargados del vestuario pero entorno a la dirección de fotografía siempre se crea una atmósfera de duda.

Dicho brevemente con director de fotografía (Cameraman, director of Photography, D.o.P o cinematographer) nos referimos al responsable de encabezar el trabajo de un extenso equipo humano que fundamentalmente se encarga de las tareas de iluminación y de posicionamiento y movimiento, si procede, de la cámara. Este ha de consensuar con el director el lenguaje visual de la película y tomar decisiones en el tipo de iluminación y lo que se ve y cómo se ve a través de cámara para que el director junto al trabajo de los actores cuente de la manera mas efectiva y expresiva lo más importante de toda película, la historia.

Tomar decisiones adecuadas requiere un conocimiento extenso entorno a los medios técnicos disponibles y la mejor forma de utilizarlos para conseguir los mejores resultados posibles, tarea en la que la labor, la experiencia y la creatividad del equipo al completo es fundamental. No entendemos la labor del director de fotografía sin ese trabajo en equipo.

Para terminar este breve articulo sobre lo que es un director de fotografía os dejamos una pequeña parodia de un spot que la escuela efti realizó para promocionar sus cursos en dirección de fotografía y cuya narrativa giraba entorno a la pregunta que titula esta entrada. Una pieza quizás demasiado centrada en la labor individual y con un toque excesivamente épico.

Este es el original.

Esta la nueva versión.

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AUTOMATA / INHERENT VICE / NIGHTCRAWLER

A partir de ahora haremos de estas publicaciones dedicadas a los trailers algo más habitual, dedicando mensualmente una  a aquellos trailers de películas que por diferentes razones nos llamen la atención. Hoy os traemos tres trailers de tres películas.

El genero de la ciencia ficción es uno de nuestros preferidos así que el primero de ellos es el trailer de la película “AUTOMATA”.  Está dirigida por el español Gabe Ibáñez, producida y protagonizada por Antonio Banderas; y fotografiada por Alejandro Martinez. Fue rodada en España y Bulgaria y estrenada el pasado mes de septiembre en el Zinemaldia o festival de cine de San Sebastian.

AUTOMATA EN IMDBAUTOMATA WEBSITE

Paul Thomas Anderson es para alguno de nosotros el mejor director estadounidense contemporáneo.  Ya sé que esto puede sonar exagerado para muchos y que esto del cine es cuestión de gustos y opiniones. Esta es nada más que la nuestra.

Por primera vez en su carrera en el largometraje Anderson dirige un material que no sale de su pluma. En este caso adapta para la pantalla una novela de Thomas Pynchon ambientada en la soleada costa oeste estadounidense en los sesentas mas hippies. Detectives, policías, matones, millonarios, surfistas, drogas y psicodélias varias. El reparto es de lo mas ilustre encabezado por Joaquin Phoenix y Josh Brolin. En la fotografía, como es habitual en sus películas,  Robert Elswit.

INHERENT VICE EN IMDB INHERENT VICE WEBSITE

Por último el debut en la dirección de Dan Gilroy, un guionista habitual y hermano de Tony Gilroy director de películas como “Michael Clayton” o “The Bourne Legacy” esta última escrita por el propio Dan Gilroy. “Nightcrawler” se trata de un thriller cuyo argumento parece estar construido alrededor del mundo de los medios de comunicación y la ambición personal protagonizado por Jake Gyllenhaal, actor con una carrera mas que interesante. La fotografía nocturna de la ciudad de Los Angeles bajo la dirección también de Robert Elswit.

NIGHTCRAWLER EN IMDBNIGHTCRAWLER WEBSITE

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